摄影大师们都是怎么构图怎么用光的？如何学习***们的摄影技巧呢？
你这个问题有点大了，这个问题，可以写成几本书，也可以写成博士论文。好吧，我只能三言两语简单谈谈，具体如下：
焦波的俺爹俺娘，没啥摄影技巧可以学习的了
解海龙的希望工程摄影，也没啥技术技巧可以学习的了
刘香成的***杰作，更加告诉我们摄影不需要什么构图和光影的了
一、真正的摄影***，其实是不在乎构图和用光的
在乎构图和用光的，都是匠人，或者说都是二流的三流的摄影师摄影家的了。
真正的摄影***，最关注的还是内容和瞬间本身。
二、真正的摄影***，其实也没啥摄影技巧可以值得学习的了
事实就是如此，三流的摄影师摄影家才需要一门心思研究摄影技巧的了。
三、作为练习和学习阶段，摄影技巧肯定要打好基本功，构图和用光也要系统练习
这个只是练习和学习阶段应该重点做的事情。
四、无论是什么样的摄影技巧，最重要的都是最基础的东西，也就是基本功
摄影没有什么高深玄妙的技艺的了。
摄影的入门就是精通。
苦练基本功才是正道。
这个真的是这样的了。
六、如何练习摄影构图呢？可以大量练习裁剪
在学习或者练习阶段，每天都要裁剪几十张或者几百张照片，裁剪的过程中，要***取多种裁剪方式，而且还要多多思考。
商业摄影顶级工匠，日本的熊谷晃，他的书，提供了很多布光案例。但是，最根本的，还是你自己要学会如何计算光比啊。
七、如何摄影用光呢？
其实，对于自然光，只能说是利用，谈不上你自己的多少主观能动性的了。
如果是要想掌握用过的技艺，这个主要是针对人工光的了。
比如说，摄影棚的布光，比如说，闪光灯的使用，等等。
应该说，摄影用光往往没啥好学的了，也没啥好练习的了。
摄影用光的根本，在于要能够学会计算光比，这个才是摄影用光的根本。
你不会计算光比，只知道按照用光示意图去布置几百种光线，没啥意义的了。
我只是一个摄影爱好者，看了很多有关摄影知识的书，和大家分享一下有关构图和用光的知识。
一、摄影构图。我认为可以先学习一些基本构图的理论。摄影作为一种艺术，还是要遵循大多数人多审美观点，对一些基本的构图还是要有所了解。比如：常用的九宫格、三分线、S形、对角线、引导线、黄金分割、三角形、对称等。在摄影时有意识的去利用这样的构图方法，在长期的实践中就会增长自己的经验，逐渐认识到什么样的景物，用什么样的构图方式最佳。这是初步学校习，为了让自己构图能力进一步提高，要多与他人交流，多看他人的摄影作品。
二、光的使用。摄影被称为光影艺术，可见，光在摄影中是非常重要的。大多数摄影者认为最佳的摄影时间是早晨和傍晚，因为这时光线柔和，容易拍出理想照片。具体拍照时，最好***用侧光或侧逆光，容易形成层次和立体感。直射光，照片光量充足，但照出来的效果却有些死板。有时，为了特殊的效果，比如：照剪影，我们还可以进行逆光拍照，这时主要是为了突出轮廓线。
摄影是一项复杂系统工程，首先是选时间、选地点、选参数，拍摄出来再后期，每个环节都影响成片质量。其中，具体拍摄时，构图和用光是最主要的两大基本功，摄影***是这样，普通摄影爱好者也毫无例外。要拍好照片，就因地制宜巧妙构图和用光十分关键：
一是***取平衡矩阵构图，拍摄自然风光照片。平视取景，用中规中矩的对称式构图拍摄宽大场景，是人们常用的拍照手法，也最能拍摄出宏大视角的照片。顺光拍摄，小光圈、大景深比较有利，成片质量会比较稳定。
倘若居中构图逆光拍摄日出日落，大小光圈均可，只要没有过曝，色温选择暖色调，拍摄出来的照片都比较耐看。如果如果太阳光比较强时，可***用渐变镜降低日晕区间光量，中规中矩里可能也可以出精品。
二是利用形态差异构图，拍摄简约风格照片。不同形态的景物，只要取景构图选择适当，直线、曲线，弧形、椭圆形，形态各异，但拍摄出来的照片却可能一致，就是生动有趣、形态兼备。
画面可能比较简约，但少即是多，看得越久越有味道。自然[_a***_]，也许是雨是雾，无法使用闪光灯，但加上三脚架，用平均包围式侧光，即可拍摄出有诗意图片。
三是运用视觉错位构图，拍摄人文景观照片。摄影构图，没有千篇一律、万年不变的永恒真理，油画可以画成照片的清晰度，照片也可以拍成水墨油画感来。即便是侧光、顶光、逆光，只要画龙点睛突出主体，都可以大胆拍摄，要是能把所见的景象，拍摄成似曾相识的美景，那也是一种超越。
眼见未必为实，眼中也有幻觉，局部构图与全景截然不同。比如有时适当的过曝用光，纯色的天空和雾色背景，还可以把简单线条被衬托出来，产生特殊的意境，淡雅而不失秀美。
四是打破传统构图用光，拍摄创新意境照片。优秀图片在于视角的独特性和用光的独创性，这就是所谓“***眼前皆是，唯他镜中独有”。都见过路过的景色，只有自己能够捕捉并纳入镜中并定格下来，才是真正的摄影高手。
取景构图没有什么千年不变的规则，九宫格、三分法等都是传统理论，实际拍摄实践中存在就是合理的。多视角取景，多移位构图，包括大面积留白、适当过曝拍摄高调人像景物，都可以大大地出彩。（昌斌视觉/图文原创，未经授权，不得私自转载）
首先谈谈用光这个问题：
很多朋友在拍摄时可能都会遇到这样一个情况。比如在同一个场景，同一机位光线稍有点变化，或轻微改变下构图，就可能影响到我们拍摄画面的曝光参数。若把握不当结果就是曝光不足死黑一片，或曝光过度。
关于用光其中包含曝光与测光，其实曝光与测光是二件事。所谓的测光就是用相机或测光的设备对准要拍摄场景亮度进行测量，测量后的结果做为参考。而曝光就是按拍摄的意图对照片的影调进行控制。
我们只有了解测光与曝光的区别与作用，正确去运用才能合理平衡一幅照片上的光比和影调。
其次我们在来谈谈构图这个问题：
如何在拍摄时去构图，每个人都有自己的观念和习惯。但至少你拍摄出来的作品能够准确的表达展示的主题。不然画面凌乱，杂乱无章。
常说摄影是一门减法艺术。当我们面对需要拍摄的场景时，先不要急于按快门。用眼观察下动动脑筋想想我现在要拍什么？用什么创意方式去拍？如何在画面中去表达我的逻辑。哪些元素是要保留的，哪些是不能留在画面里的。我们要理清拍摄的思路
才能保证你心目中的效果。
不管构图还是用光都要多看看，多想想，多练习，才能不断累积经验。逐步成长。
最后和大家分享下我拍摄的几幅作品，希望能给大家带来一点参考和帮助。谢谢！
首先你得确认学习对象，很多“***”会误导你的摄影人生。
“误导***特征”:
1、喜欢在摄影群里指点别人;
2、拿着狗头狗机，天天叫摄影最重要的是相机后面的脑袋;
3、喜欢组织活动敛财，不收费的活动也有敛财之法;
4、喜欢收徒弟，尤其女徒弟;
5、喜欢把自己在报纸社会版发表的摄影照片，当成获奖作品到处宣扬;
这样的***最好远离。
如何鉴赏超现实主义绘画***达利美术作品《记忆的永恒》？
《记忆的永恒》用纯粹洗练的笔法。物品细节俱全，虽然并不是真实的，但也是几乎类似摄影的写实主义。达利运用明亮色与暖色调形成冷暖对比。光扮演着重要角色，促成梦幻般的错乱感觉。 这幅超现实主义绘画作品仿佛被分为阴阳两部分。构图方面，地平线为主导，仅仅被树干和中央软表的曲线打断，看似为了表现海滩的一丝不安定。
《记忆的永恒》的族谱中图中出现的是黎明中的里加特港湾。景色很简练，大海在深处出现，右侧有小型的岩状物。这幅油画作品代表了梦幻般的景色，扩大的空间，各种物体以不固定的形式联系起来。画面中左侧的第一层平面上有一个貌似是木头做的作为桌子的物体，上面有两个钟表和一个不完整的树，仅有一棵没有叶子的枝桠。最大的表是软的，有一只苍蝇从上面跌落，落在桌子边沿。小的那只，像一块怀表，闭合着，蚂蚁在上面爬来爬去。树上挂着第三只表，软软的。
《记忆的永恒》中央有一个类似软软的头部的形象。它的脖子没入黑暗。巨大的鼻子很引人注意，伸出的舌头，和闭着的有着长长睫毛的眼睛。这个形象仿佛在沙滩上睡着了。画家在这个人形身上挂了第四只表，也是软软的，也在融化流失一样。元素都在一个荒漠沙滩的背景下，伴着大海，被远处的悬崖环抱，海天一色。 据达利本人所说，添加软表的灵感来自于卡门培尔乳酪，取其柔软，奢华，独立与怪癖偏执之意。一只软表平衡地挂在一个枝桠上，再下面一些，在《记忆的永恒》中央，长睫毛的脸部取材于哈维角的岩石。
《记忆的永恒》表现了一种由弗洛伊德所揭示的个人梦境与幻觉，是自己不加选择并且尽可能精密地记下自己的下意识、自己的梦中每一个意念的结果。达利运用熟练的技巧精心刻画离奇的形象和细节，创造了一种引起幻觉的真实感，这也许正是超现实主义绘画的真正魅力。达利的这种将幻觉的意象与魔幻的现实主义作对比的手法，更使得这幅画在所有超现实主义作品中最广为人知。
达利是20世纪超现实主义画派的巨擘，17岁时进入马德里的圣费尔南多***美术学院学习。在接触了大量新潮绘画流派和其他各种艺术流派后，经过不懈的探索与追求，达利终于形成了自己独特的艺术风格，即把具体的客观世界的描绘同任意的夸张、变形、荒诞、怪异、省略和象征等手法相结合，创造出一种介乎现实与臆想、具体与抽象之间的“超现实”的“艺术境界”。
